本文目录

1. 绘画的时候，如何才能把一副山水画画好
2. 国画山水的构图怎样是对的，为什么有衔接不上的感觉
3. 如何将国画的构图应用到摄影中
4. 绘画时你能够用几种方法准确构图

绘画的时候，如何才能把一副山水画画好

如何学习中国山水画？一．师古人。中国山水画艺术博大精深历史悠久名家辈出。学中国画当首先从笔墨入手，“从事中国画，不深谙传统笔墨之道，不亲探传统笔墨源深，不识画法源通书法之律，不辩笔墨品级之味，不接取法乎上，难以成就高标”，这就是中国传统笔墨精神。在学习中虔诚“朝拜”，认真学习，研究不同时期前人的笔墨艺术及构成关系。此外还要学习中国古代哲学史、文学史、美术史。这些都是我们从事山水画学习的“画外功”，会影响到学习的深度与广度。在传统学习过程中，还要时刻保持清醒头脑，不可泥古不化，甚至抱残守缺，“要用最大的功力打进去，还要用最大的功力走出来”“识得庐山面，不在此山中”。

二．师今人。在中国近现代国画山水的道路上出现了许多山水大家，都是我们借鉴学习的榜样。像黄宾虹，李可染，贾又福等诸先生既有传承又不守旧，在中国山水画创作上勇于探索，开宗立派。特别是贾又福先生不仅继承传统与现代黄宾虹、李可染的笔墨精神及艺术思想，而且发展并确立了“以石观化”的哲学思想和艺术理念，为中国山水画开拓出更广更深的道路。创作上突破了传统上的全景“居游”模式，以一种全新的“以石观化”的山水观和无尽观理论，用雄浑壮丽的画面真性情的抒发内心情感。像黄宾虹、李可染、贾又福这样的山水画大师作品，个性鲜明、面貌独特，是我们初学山水画者很好的学习榜样。在学习中不应只是学习他们的笔墨，而是努力开拓创新的思想和精神。对今人的学习，还应包括西方现代美术，哲学和美学思想，要有选择的“装进自己的口袋”，既不全盘否定，也不照单全收。拓宽视野，要用博大的胸怀、坚强的自信和胆识，接纳西方文化。

三．师自然。“以心观物，物无大小”，造化自然，自古倡之。学习中国山水画，要虔诚的拜大自然为师。在大自然中细心观察，尽情捕捉天地间新鲜美好的景物，潜心发掘与前人不同的艺术语言和符号，得大自然之恩赐，激发创作灵感。如此精妙至上“自出机杼”的作品才不会空泛乏味，不会落入前人窠臼。才会以崭新的面貌感染观众、打动观众。以上是我学习山水画的一点点心得体会，但愿对学习山水画的朋友们有所帮助。

国画山水的构图怎样是对的，为什么有衔接不上的感觉

创作中国山水画用西方近实远虚，近大远小的方法。它有自己的透视方法，立意高远，平远和深远，将地平线和视平线相视角结合，有一种非常立体的感觉。街接不上产生的原因就是元进镜的处理上。

如何将国画的构图应用到摄影中

师们拍摄的作品看起来是总是一气呵成，但其实拍出一张打动人心的作品背后所要付出的努力辛酸是我们无法想象的。除了不断在增进摄影技巧的路上修行，出色的摄影师更懂得对自己的创作进行创新与融合。这一次，摄影师谢松汕（桂林大河）将他擅长的中国绘画构图知识运用到摄影当中，快来跟大师学习如何让国画元素在摄影中发挥出惊人效果！

一：什么是构图？

无论在绘画还是摄影创作中，我们都会讨论一个问题--构图。但是，什么是构图呢？在《摄影的艺术》一书中，给出的定义：“对艺术作品各个部分的布局，以形成统一和谐的整体。”

现在的构图多是由西方提出来的，如内容与形式、法则和结构、对比与调和、均衡、调性性、黑白灰等，中国画关于构图提法也有如：经营位置、章法、样式。

中国画讲究写意，所以在中国画的构图上讲究内证的文化，要求作者注重内在的感觉，什么是干裂秋风，润含秋雨，我们很难通过语言来准确地描绘，这就要用一种感觉去体味，需要我们营造一种效果去让人品味。

构图其实就是在营造一种意境，表现一种意味。特别是在山水、花鸟画同现代摄影的风光、生态摄影的构图和意境有很多相似之处。

国画佳作的构图规律

一、宾主朝揖的关系

在中国画中，主体只有一个，其它的是陪衬的次要的宾体，起着辅助、从属于主体的作用。主和宾是相互依存、浑然一体的，只有构图中“宾主分明，画面才能主体分明，才能不至于“喧宾夺主”。

潘天寿先生有这样的阐述：“布置主客体时要拉得开，不应局限于一处，这样才能气势舒畅，要放得开，又要收得拢。

1，一张画必须有主有宾，宾主有序，方能层次分明。主，必须居于显著而突出的位地位。突出的方法；或以色彩，或以动态，把读者的视线吸引过去。宾，要做好主的陪衬，切忌喧宾夺主。

2，主，不一定都要放在画面的中间，有时候可以放在画面的一角，这时大面积的“宾”，要运用构图的动势，把读者带到“主”的一角上去，这样就有趣了。

3，主有时候面积很小，地位不显眼，但是运用的灵活巧妙，会感到更加有趣。任伯年很善于运用这种手法。他常常把鸟藏在花丛中，显得十分含蓄有致，而不被次要的东西所淹没。

二、起、承、转、合的关系

“起”、“承”、“转”、“合”是一幅中国画的几个关键的相关联的环节。

所谓“起”，是主体展开气势和方向，“承“是按主势和起势，增加变化，充实、丰富层次，因势利导的运动过程。“转”是借势逆转，以增加变化和趣味，是指打破主势，增加矛盾改变方向的部分。“合”，是复归于主势，总结全局，气势的复归，以达到相接相承、相呼应的统一完善的结局。一幅绘画中有多个的开合、承接、转折。

唐道昌作品《耄耋图》

开合：

1：一张画要由起、承、转、合四个部分组成。开即起，承是接起，转是承后作回转之势，最后的合就是收。一张画的好坏，起，结关系很大，不但要有大起大结，又有小起小结，那么构图就有变化了。

2：开；出枝干的起点放在什么地方要注意，最好不要放在画面的四角或四边的中段，以免呆板。就是所谓的“金边银角”。

3：合；合的方法就比较多了，或利用花草本身，或利用鸟虫，或利用题款、印章都可以。

三、虚实关系

在中国画中有“阴阳相生”、“虚实相生”之论法。它是一对矛盾，有虚则实存，有实则虚生，这样才能达到“生动自然”。

“实”可以指在画面上的突出的实实在在的主体，“虚”往往指处于次要的、远的、淡的、衬托的物象。古人有“知白守黑”、“以虚衬实”的说法。

在中国画中尤其重视“虚白”的地方，“虚中有实，实中有虚”，它往往是画中的关键地方。观者往往从实处着眼，虚处留意，它能使人产生联想和想象，达到意外之意，画外之画的“虚境”。

虚实：

1：没有虚实就不成画面。画面的虚实关系处理好了，就层次明晰，有深度。所谓“虚”就是松、淡、模糊。以至空白。“实”就是浓、重、密等等，要根据画面的需要互相配合得体。

2：实中有虚，虚中有实；实中有虚才能够空灵而不板滞，虚中有实才能丰富而不空洞无物

四、疏密、聚散的关系

中国画有“疏可跑马，密不通风”的说法，要求有大疏大密的对比关系。这里包括有疏与密、聚与散、动与静、明与暗种种对比。要求通过对比产生一种运动感、节奏感和韵律感，在布局中使画面更加富有变化。

唐道昌作品《骏马图》

留白：

留白是中国画的一大特点。潘天寿先生说；“我落笔处是黑，我着眼处都是白”。就是不能光注意有笔墨处的安排，落笔之先，要把空白计算在构图中去，空白也是画面的一部分，所谓“计白当黑”，就是这个道理。

疏密：

疏密要安排有致，才不显得零乱。密的部分要尽量集中，疏的地方甚至可留出大片空白，要做的；密不杂乱、疏不松散，所谓“密不通风，疏可走马”，这是前人实践的经验。

乱而不乱：

特别是藤本，蓝叶，芦苇，竹叶等等，要注意；太整齐则呆板，太零乱则无章法，要做到乱而不乱，则画面气脉相通，灵气相生、自然生动。

齐而不齐，不齐而齐：

圆形的花，也要要缺处，对生的叶也可剪裁，整齐的篱笆，不要画出排牙式要有意识的安排，方感到错落有致，其效果仍然使人感到花是圆的，篱笆是较整齐的。

五、蓄势与写势

古人将构图称为：“置阵布势”。一幅中国画作品必须有一种气势和力量，具有一种生机勃勃的生命力和一往无前势不可挡的气势。运用虚实、抑扬顿挫、曲折往复等方法，以达到“欲左先右”、“欲放先收”、“欲行先蓄”变化，最终完成“蓄势”。

唐道昌作品《玉堂富贵》

气势：

作寻丈巨幅要有磅礴气势，花鸟画气势大致有上引、横伸、倒挂三种。把这几个形式结合运用熟练，就能够千变万化了。

题款与印章

题款，又称落款、款题、题画、题字。题画中诗或文的内容是极为丰富的，它是中国画必不可少的组成部分，诗文、书法和绘画完美结合在一起，称为“三绝”。

古人云“功夫在诗外”，这种画外功，有时对画的品位有着重要的作用。好的诗文，对于丰富画面，深化作者的情感，增加画面的表现力具有重要的意义。诗文的优劣可以说是作者文化修养的具体展现，是中国画的重要组成部分。

中国画是融诗文、书法、篆刻、绘画于一体的综合性艺术，这是中国画独特的艺术传统。中国画上题写的诗文与书法，不仅有助于补充和深化绘画的意境，同时也丰富了画面的艺术表现形式，是画家借以表达感情、抒发个性、增强绘画艺术感染力的重要手段之一。

本文通过总结中国画构图的一些规律，大家可以了解了解，希望对摄影朋友们有所帮助。

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绘画时你能够用几种方法准确构图

看到「构图」二字就想到水平构图、垂直构图、对角线构图？

看腻了吗？来点不一样的？

最近看了丰子恺的《认识绘画：丰子恺绘画十六讲》，丰子恺老师专门用了一个章节来讲构图。今天和大家分享一下～

丰子恺老师说，「构图」在中国画中被称为「置陈」，并归纳了八条构图规则。

一、凡一物象在画中的位置，不可太偏，但亦不宜太正。位在画面三分之一处，最为美观。

可以看这幅《花瓶中的蜀葵》，最亮的部分就是在画的三分之一处。

二、凡两个以上之物象布置在画中，不可东西凌乱，亦不可规则排列。必须有规则又有变化，方为美观。

前几天被泼的《向日葵》，有规则又有变化的向日葵。

三、凡两个（或以上）物象布置在画面中，必须相互照应，不可左右反背。

其实我的理解，就是让画面中的物与物进行对话。

这里我想举的例子就是《草地上的圣母》，很符合丰子恺老师说的“相互照应”。

四、数个物象布置在画中，高低进出，宜参差变化，切忌作阶梯形。

经典画作《秋千》，前面欣赏美景的大哥、少女、和后面拉绳子的绿帽男，三个人参差不齐。

五、许多物象置在画中，须注意画面的均衡，勿使有轻重而倾侧。

这里说得“轻重”并不是指物体实际的重量，而是因物体的性质而有所区别：性质生动的分量重，性质沉静地分量轻。

丰子恺老师还列出了画面中物体的“重量等级”：

这样我们再看上面那张图，就知道了，把「最重」的人，放在了左侧，则平衡了右侧的「人造物静态者」和「自然物中有生机者」。

这大概就是为什么有一些画能给人带来「和谐」的感觉的原因了，比如说这幅——

左侧的鹿虽然比右侧的房子小很多，但由于更生动，所以整个画面看起来很均衡。

六、画面中同方向的形体不可太多，宜与异方向的形体互相对照。

右侧的变化是：人手中的琴横了过来，并且加了石凳，这样就有横竖相对照，有了对照的美。

比如这幅《示巴女王上船》，有垂直的建筑物，有水平的船和海，相互对照，画面非常和谐。

七、画面中直线与曲线对照，亦有美的效果。

《死神与少女》就将这种直线与曲线相结合的美表现得淋漓尽致——

八、画面勿用物象填满，宜有空地，则爽朗空灵——俗称「留白」。

留白是非常难的，因为不知道要留多少才算刚刚好，这就需要多看。

比如说莫奈的《印象日出》，整体看起来很丰满，但元素又不是很多，一切都刚刚好，多一笔都是多，少一笔都不行。

丰子恺老师总结的构图大法真的很不错，非常容易运用于实践之中。

所以，赶紧收藏起来！

在绘画的时候，不妨拿出来这八个规则看看，肯定会所有帮助！

好了，关于国画构图怎么弄好看的和绘画时你能够用几种方法准确构图的问题到这里结束啦，希望可以解决您的问题哈！